-----------------------------------El Maczul inaugura la exposición --------------------------------------------------Para Cazar al Bisonte de ---------------------------------------------------------------Ofelia Soto
Venezuela - Exposiciones martes, 01 de diciembre de 2009
Para Cazar al Bisonte, es el nombre de la exposición que inaugurará el próximo jueves 03 de diciembre el Museo de Arte Contemporáneo del Zulia.
* La misma es una exhibición individual de la artista Ofelia Soto, nacida en México pero considerada Zuliana por haber desarrollado su trabajo artístico en la ciudad desde hace 50 años.
Según explicó Susana Quintero, investigadora y curadora de la exposición, el nombre de la exhibición se relaciona con el hecho de que el arte existe desde que existe el hombre, y que siempre ha sido un medio de expresión que ha ido cambiando su función en la medida que la sociedad humana ha ido evolucionando. En este sentido, se cree que en la prehistoria el arte se usaba como una manera simbólica de capturar a los animales “para cazar al bisonte” -de allí el nombre de la exposición-.
Para Ofelia Soto su obra debe entenderse como un “resonar del mundo”, un resonar que fluctúa entre el adentro y el afuera, entre expresar e interpretar. Al producir una pintura el artista vierte en ella sus ideas, intuiciones y recuerdos; en un trabajo abstracto como el de Ofelia estas referencias no se aparecen directamente, son más bien evocaciones escurridizas, sugerencias de formas naturales, de espacios oníricos, imágenes que aluden a la naturaleza sin pretender ser naturalistas; así lo plantea Susana Quintero en la investigación realizada para la exposición.
La creación de la artista presenta al espectador un algo que podrá recrear, pero no un algo puro y encerrado en un espacio de auto-referencialidad. Al contrario, cada obra da al espectador la oportunidad de esbozar sus propias emociones, rememorar paisajes o simplemente adentrarse en la contemplación libre de formas y colores, su manera de conectarse con la pieza será un puente que complete el vínculo propuesto durante su creación.
La obra de Ofelia niega la posibilidad de entender el arte abstracto como autónomo, su obra no está puesta en el mundo para referir a algo más allá del mundo, simplemente existe para intentar romper esa idea dual entre existencia e imaginación, entre ser y hacer, entre arte y naturaleza, entre espectador y artista.
La muestra está conformada por 16 pinturas realizadas en óleo y 56 acuarelas en las que se puede observar también el trabajo experimental que realiza la artista con materiales como el papel fotográfico y la madera laqueada.
De esta manera la invitación es para asistir a la inauguración de esta exposición llena de mundos y espacios a descubrir en cada obra, el próximo miércoles 03 de diciembre a las 7:30 de la noche, en la Sala 5 del Maczul. La entrada es libre y gratuita.
Para mayor información puede contactarnos a través de los números telefónicos 0261-7595811/7594866. Fax: 0261-7593766. http://www.maczul.com.ve.
Mirialba Bracho A. Prensa Maczul
Fuente:
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Manuel Antonio Díaz nace en Caracas, Venezuela. Durante su infancia y adolescencia viaja y estudia en los USA. Luego del bachillerato, reside en Roma, Madrid y Florencia, donde estudia el italiano, arquitectura, e historia del arte. En la Universidad de Ginebra y luego en la Sorbona en Paris, cursa estudios de francés y de literatura francesa, a la vez que practica su pasión por la fotografía. Regresa a Venezuela en 1964. Colabora en las revistas CAL y Zona Franca con algunos cuentos y fotografías.
En 1966 realiza su primera exposición pictórica unitaria y obtiene una buena acogida de la crítica así como un discreto éxito de público. El distinguido novelista y conocedor de arte que fue Guillermo Meneses, al presentar el grupo de trabajos entonces expuestos señalaba: "...allí están estos collages dentro de los cuales puede cualquiera encontrar un grave sentido de la vida..."
Aunque nunca abandona la plastica y la fotografìa, Díaz viaja a La Haya, Holanda, donde se desempeña como funcionario en la Embajada de Venezuela. Ente tanto participa al concurso de ingreso y es admitido con una beca por el Estado italiano al entonces Centro Sperimentale de Cinematografía de Roma, presidido por Roberto Rossellini, con lo que renuncia a la actividad diplomática para estudiar dirección cinematográfica. Después de obtener el título de director cine y otro de la RAI TV para televisión, trabaja como guionista y asistente-director en la industria del cine y la televisión italiana. Tras una residencia de siete años en Roma, Díaz vuelve a Venezuela.
En Caracas lleva a cabo una extensa actividad tanto en cine como en video, que incluye numerosos cortos y un largometraje de argumento en 1973, así como una serie de documentales. Siempre activo en la búsqueda creativa y comunicacional, Díaz incurre en el periodismo con artículos para prestigiosas revistas como, Zona Franca y Resumen; y en diarios como El Nacional, y El Globo.
Actualmente, M.A. Díaz, vuelve a la plástica con un impresionante conjunto de obras concebidas y esbozadas durante las últimas tres décadas, pero concluidas en medio a la profunda crisis que envuelve Venezuela desde los años ochenta hasta el presente. Cuando el interés manifestado hacia los bocetos y algunas pinturas concluidas por parte de amigos coleccionistas y conocedores, el artista decide hacer públicos sus trabajos.
Ola tempestuos 104x210cm
CONCEPTOS
M.A. Díaz, es un artista quién ha viajado y vivido plenamente en distintos países; que ha explorado y ha creado en casi todos los medios de expresión, incluyendo literatura, cine, video, fotografía y pintura. Y como el mismo ha señalado: "Quizá tal multiplicidad de inquietudes me ha limitado en la consolidación definitiva de un medio de expresión".
El artista considera el ordenador como la herramienta mejor indicada para trabajar sin limitaciones ni cortapisas. Su estilo es una amalgama de pintura, ilustración digital, fotografía y video. Díaz considera su arte como de "todo-género". Al respecto señala: "Quizá mi trabajo podría describirse como una perpetua exploración de la vida y la humanidad." Refiriéndose a posibles influencias ha expresado, "disfruto particularmente el arte europeo del siglo 14 en adelante. En mis obras creo haber mezclado influencias de los siglos 14, 15 y 16, con las de pintores y otros artistas modernos y contemporáneos".
Contemplando su obra, resulta evidente el interés del artista por todo lo que le rodea: el ser humano y la sociedad; la naturaleza o el color, son todos elementos que gatillan su instinto creativo. Díaz no se detiene, encuentra y luego busca; entonces quizás medita sobre lo descubierto. Como ya se lo dijo Guillermo Meneses, en aquella primera muestra: "Manuel Antonio Díaz es inquieto artista. Lo he visto llegar a través de diversas formas de arte. Un cuento, un poema, una fotografía... estos collage". Las palabras del intelectual e importante coleccionista que fue Meneses, siguen estando vigentes hoy como ayer en cuanto a Díaz.
Ola dragon 104x155cm
TECNICA
En cuanto a las técnicas adoptadas, Díaz señala, "Muchos de mis cuadros consisten en digicollages compuestos de imágenes registradas por una cámara video-fotográfica digital, una polaroid, o directamente de la pantalla de TV, que luego reelaboro en mi ordenador con un programa gráfico modificado. Mi hardware actual consiste en un PC con procesador potenciado a 400MHz, tarjeta videográfica G4 con 350MB de RAM, un monitor de 17-pulgadas, unidad de disco duro de 13GB, el Laic CD-RW, Waco Intuits 6x8 pulgada , escáner, y una cámara de video-fotografía digital".
DECLARACIONES DEL ARTISTA
Con relación a su estilo el artista ha señalado: "Las imágenes y combinaciones de color que utilizo probablemente son producto de mis estudios de arte y mis visitas a los museos, al igual que mis raíces Ibérico-americanas". En otro aspecto añade: "Supongo que ha sido mi temperamento el que me atrajo a la imaginería de artistas de épocas y estilos muy diferentes. Creo estar influenciado por la obra de los viejos flamencos como Bosch, Brughel y Holbein. Por los maestros del renacimiento italiano, y los grandes españoles del "sigo de oro", como Velásquez y Goya. Al igual que artistas y pintores modernos como Munch y Ernst, y más contemporáneos como Escher y López García. Al igual que autores cinematográficos como Dryer, Buñuel, Kubrik y otros.
Rompiente arbolada 39x59cm
CARACTERÍSTICAS TÉCNICAS
Las obras de M.A. Díaz, son en gliclée. Gliclée o pintura digital, es una obra de arte creada con el uso de un ordenador y un impresor digital Iris Inkjet de alta calidad. Las mismas están elaboradas en tela Canvas o papel Photomatte, con tinta de aceite "micro bright" o, dye pigmentado. Impresas con una resolución de entre 600 a 1.800 DPI. Lo cual garantiza la mayor fidelidad, al igual que una inmejorable calidad pictórica y cromática, que poco se diferencia de cualquier tela de arte tradicional.
Ola delfin verde 56x96cm
Estos originales pueden ser reproducidas en diferentes formatos. Su precio está relacionado con el tiraje, las medidas y el material de soporte (papel o tela canvas) requerido. Todas las obras vienen acompañadas por un certificado de autenticidad y características firmado por el artista.
MARINAS
Se encuentre apacible o furioso, el mar es siempre un espectáculo de cambiante e imponente seducción. Cielos oscuros y relampagueantes, o serenos espacios azul; viento, olas y nubes de tormenta, manifiestan las fuerzas de la naturaleza que la sensibilidad de este creador selecciona y modela en obras de arte a veces de apariencia casi abstracta. En ellas Manuel Díaz expresa su pasión y admiración hacia la belleza imperturbable-o terrible-del mar, en el cual el artista siempre ha disfrutado bracear y navegar.
Pero el mar para Díaz tiene un carácter especial y múltiples semblantes. Sus marinas, las olas de este mar, no solo son ondas acuáticas, estas olas poseen cada una su vida y un vibrante carácter propio. Ya sean barras, rompientes o marejadas-cuando lo desean-, pueden transformarse en delfines juguetones, en hieráticos leones, o amenazantes ¡dragones! Al respecto el artista ha señalado algo que puede resultar esclarecedor: “Creo que simultáneamente a la percepción cotidiana, existe otra igual de importante o más, que solo se revela a quienes logran mirar y ver en periferia”.
Independientemente de su valor estético y creativo, cabe apreciar que todos los trabajos de Díaz están elaborados con una técnica pictórica impecable, donde a menudo se superan los acabados de una forma más tradicional de pintura.
Rompiente escarpada 104x156cm
EL ARTISTA
Hacia finales de los años sesenta Díaz realiza en Caracas su primera exposición unitaria, y obtiene una buena acogida de la crítica, así como un discreto éxito de público. El distinguido novelista y gran conocedor de arte que fue Guillermo Meneses, al presentar el grupo de trabajos entonces expuestos señalaba: "...allí están estos collages dentro de los cuales puede cualquiera encontrar un grave sentido de la vida..."
Manuel Díaz, es un artista quién ha viajado y vivido en distintos países; que ha explorado y ha creado en diversos medios de expresión, incluyendo el cine y la fotografía, además de la pintura. Y como el mismo ha señalado: "Quizá tal multiplicidad de inquietudes, en cierto aspecto me ha limitado".
Sin embargo, es a partir de los años noventa, cuando Díaz vuelve a la plástica con un empuje arrollador y un impresionante conjunto de obras concebidas y esbozadas durante las últimas dos décadas, cuando el interés manifiesto hacia sus bocetos y pinturas por parte de amigos coleccionistas y conocedores, el artista opta por hacer nuevamente públicos, sus trabajos.
Ola leonina 39x79cm
Marinas es parte de esta nueva etapa creativa de Dìaz.
TSUNAMI EN GESTACION
VIDEO EXPERIMENTAL DE ANIMACION DIGITAL
La animación pictórica viene siendo utilizada por diferentes creadores desde hace décadas, con técnicas similares a las desarrolladas por Meliès en los albores del cine. La diferencia a la elaborada en este caso por Manuel Antonio Díaz, consiste en que tal surge de una técnica digital desarrollada por el artista, a través de un laborioso proceso de ensayos y pruebas que luego de numerosos intentos ha desembocado en el presente trabajo.
“Quizás por mi experiencia cinematográfica, a menudo pensé que la plástica - en el caso de algunas obras- debería tener la opción del movimiento”, ha señalado Díaz. ”Este trabajo es uno mas en la perenne exploración de las diversas formas de expresión que desafían al artista cada vez que optamos por hacerlas publicas”.
Pero independientemente a la belleza estremecedora de “Tsunami en Gestación”, creo adivinar que el autor igualmente nos está recordando los grandes riesgos a los que nos exponemos con el abuso de una naturaleza que puede ser tan hermosa como terrorífica, si no le reservamos el respeto que amerita.
Fuente:
Lamento no haber podido presentarles el rostro del artista Manuel Díaz Punceles.
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-----------------------------------Universidad Simón Bolívar -----------------La artista Luisa Ritcher recibirá el título de ----------------------------Doctor Honoris Causa de la USB ------------------------------------
En el marco del 40 aniversario de la Universidad Simón Bolívar, la artista plástico Luisa Ritcher recibirá el próximo 18 de enero el título de Doctor Honoris Causa de esta casa de estudios. La decisión fue tomada por el Consejo Directivo en su sesión del 14 de diciembre de 2009, con el propósito de realizar un reconocimiento a la excelencia de su obra en las artes plásticas, la cultura y la educación de Venezuela, Latinoamérica y Europa.
“Luisa Richter es una figura prominente del medio cultural venezolano, en ella confluyen la artista y la educadora que por décadas ha realizado una notable labor en el ámbito de las artes plásticas venezolanas”. De acuerdo a la resolución, su contribución a las artes plásticas, a la comunicación y la formación de estudiantes ha generado un florecimiento cultural en Venezuela e impactado varias generaciones en su relación con la pintura y las artes plásticas en general.
Las creaciones de Ritcher han participado en numerosos salones, exposiciones individuales y colectivas en museos, salas y galerías de distintas partes del mundo, y la han hecho merecedora de premios nacionales e internacionales como el Premio Nacional de Dibujo y Grabado, Premio Nacional de Artes Plásticas, Premio Nacional de Educación Plástica y Premio Imagen Don Andrés Bello, incluso en la ciudad de Besrgheim, se creó en 2008, el Premio de Artes Plásticas “Luisa Richter”.
En la USB, sus obras, han tenido un espacio permanente en el edificio de la Biblioteca Central, “en el cual, por más de 11 años se ha mantenido una exposición de sus óleos, collages y dibujos, que con periodicidad se modifica para dar un sentido de actualidad, donde los estudiantes, profesores y visitantes de nuestra institución, han podido confrontarse con la obra de una manera directa”, dice la resolución que se puede leer en: http://elpapeldelabolivar.dsm.usb.ve/index.php?id=7552.
Esta distinción honorífica la conferirá la universidad en el Paraninfo de la Casa Rectoral, a las 4 de la tarde.
Fuente:
Estamos muy feliz por este reconocimiento que se le hace a nuestra querida Luisa Richter. En hora buena
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--------------------------------------------------------------------- -------------------------------------------------------------------Presenta -----------------------------------------------La Noche de Adrián Pujol. -------Un recorrido por sus paisajes más representativos
Venezuela - Exposiciones martes, 10 de noviembre de 2009
No basta con decir que Adrián Pujol es uno de los grandes paisajistas venezolanos. Es preciso ir un poco más allá, como quien hace una excursión por ese paisaje y lo penetra y lo disfruta, lo ve desde lejos, de cerca, lo toca, y en algunas ocasiones puede sentir, incluso, ciertas fragancias de la selva.
Adrián Pujol es hoy en día un importante artista venezolano de origen español. Desde mediados de los años setenta, cuando concreta su llegada a nuestro país, ha ido construyendo un legado de gran valor. En distintos períodos ha trabajado con temáticas diversas, pero siempre dentro de la comprensión de la pintura como un gesto dialogante, como un conjunto de intercambios con lo otro, más que una representación lineal del afuera. En este discurrir, Pujol tiene ya casi cuarenta años de labor artística y desde esa otredad con la que intercambia hemos visto surgir retratos, conceptos, ciudades, luces, naturalezas muertas, cerámicas, grabados, automóviles, abismos, esculturas y fundamentalmente paisajes.
El Gran Roque desde Nororquí de noche, 2006 (Detalle). Fotografía: Beto Gutiérrez.
Hoy el artista nos regala una exposición única denominada La noche, producto de un viaje entre naturaleza, montañas ríos, y valles. En palabras del curador de la muestra Axel Capriles M:
“Puedo imaginar a Adrián Pujol ahondando el crepúsculo, convocando la noche. Puedo, también, imaginarlo turbado, desconcertado, sorprendido por una oscuridad que inexplicablemente aclara las formas, extasiado por espesas tinieblas que intenta atrapar en un lienzo tirado en el piso, deseoso de oleos, de arena y de sombras... Creo que esta exposición de Adrián Pujol no sólo revela una faceta poco conocida de la trayectoria profesional y el incesante trabajo del artista, sino que descubre aspectos poco explorados de la personalidad del creador, maneras y existencias distintas de las que la faena diaria actualiza. Siento, también, y no por ello es contradictorio, que los nocturnos que esta muestra reúne, lejos de expresar y dar salida a los componentes ajenos de la Sombra inconsciente del pintor, a sus demonios extraños, nos acercan y conectan, más bien, con sentires muy propios del artista, con algo muy íntimo, con la más esencial individualidad y el ánima de Pujol”.
-----------------------------------------------Del 30 de enero al 28 de marzo -------------------------------------------VOLÚMENES Y RELIEVES DE -------------------------------------------JOSÉ GABRIEL FERNÁNDEZ -----------------------------------SE EXHIBEN EN LA SALA MENDOZA
Después de una década de su última individual en Caracas, el artista venezolano José Gabriel Fernández mostrará por primera vez en el país el cuerpo de trabajo que ha venido desarrollando desde entonces, a través de una exposición que se inaugurará en la Sala Mendoza, este sábado 30 de enero a las 6:30 p.m., en su sede ubicada en la UNIMET
Presentada en colaboración con Faría+Fábregas Galería, esta muestra la conforman 21 piezas, entre volúmenes y relieves, que registran la producción creativa realizada por José Gabriel Fernández en la ciudad de Nueva York (USA), donde reside desde finales de los años 80. “Estas obras que han ido mutando y transformándose en la última década, reclaman cada vez más el rigor de las formas que lo aproximan a repensar el objeto a partir de los postulados formales de la abstracción tardía de los años 50, alcanzando así un lenguaje propio asociado a una escultura aséptica de tradición post minimalista”, explica la curadora Ruth Auerbach.
Alejado ya de sus primeras representaciones en las que incorporaba su afición por el ritual y el repertorio iconográfico vinculado al mundo de la tauromaquia, las obras recientes de Fernández -depurados relieves y volúmenes estrictamente acromáticos- “abandonan radicalmente toda referencia narrativa en un proceso secuencial, al mismo tiempo que avanzan en la exploración de inéditas percepciones visuales de sinuosa tactibilidad, iniciando un itinerario de sugerentes configuraciones emancipadas de la anécdota”.
La exposición que se presenta en esta ocasión, está configurada en secuencias representativas de su producción reciente: Revolera y Molinete, ambas de 2003, que consisten en láminas de madera contrachapada cubiertas por una fina capa de gesso blanco, superpuestas y apoyadas verticalmente sobre el piso, en las que las diversas y sofisticadas formas ovoidales recortadas tienen su origen en una práctica analítica del dibujo. Estas matrices trasladadas al planteamiento escultórico, sugieren entonces la ambigüedad de un movimiento congelado y, más aún, la poderosa presencia del espacio vacío. En una serie posterior, Sin título, el artista reelabora esta estrategia en estructuras horizontales, esta vez adosadas y fijadas al muro.
Con el conjunto de tablones (2006) retoma el formato que utilizara Alejandro Otero -el artista moderno por excelencia de Venezuela- tanto en sus primeros Coloritmos de los años 70, como en sus posteriores Tablones. A diferencia de aquél, Fernández -en una apropiación crítica y negando a Otero- nos devuelve una compleja estructura que excluye tanto la policromía como las cualidades planas y reflectivas de la pintura que identificaron la propuesta del maestro. Fernández construye estas piezas a partir de la superposición de fragmentos fortuitos resultantes de las diversas variaciones obtenidas a partir de un patrón previo en una suerte de collage de retazos en relieve.
Otras piezas de esta proyecto expositivo que dan cuenta del trabajo de José Gabriel Fernández, son: Serpentina, Chicuelina y Verónica, que realizadas en fibra de vidrio se erigen en sensuales e inmaculados cuerpos de mayor formato en la búsqueda esencial de las relaciones formales; Latiguillo, una serie de piezas duales de factura minimalista que surgen de la misma matriz de los patrones registrados en papel, pareciera que el plano requiere alcanzar su relieve. Finalmente, los pequeños volúmenes Erotes y Lingam (2009), no sólo revelan sus afinidades con la estética de Brancusi o con la escultura cicládica, sino que también recuperan los temas iniciales de la mitología, de la diversidad de género y, sobre todo, de una poética del deseo para concluir que en la obra de Fernández, la búsqueda de lo formal proviene de su propio contenido y se nutre permanentemente de su mismo devenir, concluye Ruth Auerbach.
Nacido en Caracas en 1957, José Gabriel Fernández posee una importante trayectoria artística que le ha otorgado visibilidad internacional. Ha exhibido su obra en museos y galerías de Venezuela, Estados Unidos, España, México, Argentina, República Dominicana, Colombia, Perú, Brasil, entre otros países, y ha participado en importantes ferias internacionales. Su última muestra individual en Caracas, Memento mori, fue en 1999, en el Museo Alejandro Otero, la cual luego itineró al Maczul de Maracaibo. Cabe destacar que Fernández fue ganador de la V Edición del Premio Eugenio Mendoza en 1990.
El público tendrá la oportunidad de apreciar la exposición “José Gabriel Fernández”, desde este sábado 30 de enero a las 6:30 p.m., hasta el próximo 28 de marzo, en la sede de la Sala Mendoza, ubicada en el Edificio Eugenio Mendoza Goiticoa de la Universidad Metropolitana de Caracas, urbanización Terrazas del Ávila, en horario de martes a viernes de 9:30 a.m. a 5:30 p.m., sábados y domingos de 11:00 a.m. a 3:00 p.m. Teléfonos: 2435586 – 2427560. Página Web: http://www.salamendoza.org
Agradecemos a Zoraida Depablos por el envío de esta información
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------------------------------------------------------------Fotografía: --------------------------------------------------Mundos diminutos de -----------------------------------------------------Alfredo Cardona
Nota de Prensa Martes, 26 de enero de 2010
Alfredo Cardona presenta Mundos diminutos, interesante muestra de macrofotografía en la cual los protagonistas son insectos en su entorno. La exhibición puede apreciarse en los espacios de Oro Café Bistró Galería en La Castellana a partir del jueves 4 de febrero a las 7:00 de la noche.
El lente de Alfredo Cardona se adentra en el hábitat natural de mariposas, libélulas, mariquitas y otros pequeños seres, y los presenta a plenitud en Mundos diminutos, serie de 23 fotografías a color tomadas en Venezuela entre los años 2008 y 2009. En este proyecto combina sus dos grandes placeres: la naturaleza y la macrofotografía.
Visitar parajes naturales no sólo es una forma de bajar los niveles de estrés tan comunes en nuestros tiempos, para Cardona también significa desconectarse del mundo de los humanos y adentrarse en otros universos, afrontando el reto que implica acercarse a ellos con la paciencia suficiente para que sus habitantes no huyan. El fotógrafo compara esa compleja experiencia con la caza de un animal, “pero no se hace daño a nadie, el trofeo es la fotografía lograda”.
Para capturar detalles tan impresionantes como los que se aprecian en las imágenes que integran Mundos diminutos, su autor recurrió a lo que se conoce como fotografía macro -muestra las cosas en una dimensión mayor que el objeto original-. La dificultad de esta modalidad va desde el dominio de importantes aspectos técnicos, como profundidad de campo, enfoque manual y encuadres, hasta el hecho de que el fotógrafo hizo la mayoría de las tomas acostado en el suelo para lograr los mejores ángulos.
Más que un esfuerzo, desarrollar trabajos como este es un gusto para su autor, quien dice disfrutar el descubrir detalles que sin el lente nunca habría imaginado. “La macrofotografía está a mi alrededor. No importa el clima que haya en ese momento, ni la luz, siempre hay formas de resolver”.
Desde el año 2006 Alfredo Cardona comienza a tomarse en serio la fotografía estudiando de forma autodidacta; completa su formación con estudios en Roberto Mata Taller de Fotografía y participa en expediciones fotográficas a destinos como Kenia, India, Polonia y Letonia realizando trabajos en el área documental y retratos. Sin embargo, su pasión confesa es la macrofotografía y, precisamente, con una imagen tomada con esta técnica resultó ganador de Mundos diminutos, concurso organizado por la revista National Geographic; dicha imagen fue publicada en su edición de noviembre de 2009 y forma parte de la serie del mismo nombre realizada por el fotógrafo.
Oro Café Bistró Galería es un espacio en donde es posible degustar platos emblemáticos de la cocina mantuana caraqueña, como sopa de caraotas, polvorosa de pollo, bienmesabe o torta de queso criolla, mientras se disfruta de la obra de fotógrafos venezolanos contemporáneos, pues sus paredes también hacen las veces de galería. La rotación es constante y cada dos meses presentan una nueva muestra. Mundos diminutos inaugura el 4 de febrero y podrá visitarse hasta el 25 de marzo de este año en su sede ubicada en la Torre Coinasa, avenida San Felipe de La Castellana. Abren de martes a domingo de 8:00am a 4:00pm, y lunes de 12:00m a 4:00pm.
Mundos diminutos – Fotografías de Alfredo Cardona Inauguración: 4 de febrero de 2010 a las 7:00 pm Cierre 25 de marzo de 2010 Dirección: Oro Café Bistró Galería. Av. San Felipe, Torre Coinasa, Mezzanina, La Castellana
Fuente:
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The technique used here: a squish, squash, squeeze, or a squirt, express what is called a ‘Splash’, whereby a free spirit flows by communicating with water and paint. ‘Splash’ responds to a stimulus of emotions, be it: Mozart, Albinoni, Beethoven, or even to twitters of birds…etc. Here ‘Splash’ goes beyond the myths and traditional painting methods used with watercolours.
Astronomers show us images of the Universe as flowing colours; glittering stars, multicoloured supernovas, Mars as red, Earth as splashes of blues, greens and white. Even within our beautiful planet, through a crystal prism or a rain drop we see splashes of colourful rays. From afar there is no specific form but just a surrealistic movement of colours; call it a river, a dessert, a forest or a busy city, all are seen as chromatic splashes.
Why the square format? Square is masculine. Why the round paintings? Round is feminine. The balance between the two expresses equilibrium, maturity and sensibility. What is contained within each format, relates to an individual’s deep sentiment. ‘Splash’ takes one into ones own existence, an introspection, a sensory perception of abstract expressions of our emotions without time, space or place such as is a; ‘Splash’.
The Schacknow Museum of Fine Arts. Inc. Plantation, Florida.
Agradecemos a la artista Alicia De Lima por el envío de esta información
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A continuación, les traigo el texto de la Exposición SPLASH, traducido por word. Puede que ésta no se siga fielmente al contenido, pero si nos da una idea del concepto de esta bellísima muestra
---------------------------------------------------Alicia De Lima ------------------------------------------------------------"Splash"
La técnica utilizada aquí: un arrinconar, squash, contracción o una manguera, expresar lo que se denomina un "Splash", mediante el cual un espíritu libre fluye comunicándose con agua y pintura. 'Splash' responde a un estímulo de emociones, ya sea: Mozart, Albinoni, Beethoven, o incluso a twitters de birds…etc. Aquí "Splash" va más allá de los mitos y los métodos de pintura tradicional utilizados con acuarelas.
Los astrónomos nos muestran imágenes del universo como colores que fluye; estrellas brillantes, supernovas multicolores, Marte como rojo, tierra como salpicaduras de blues, verdes y blancos. Incluso dentro de nuestro hermoso planeta, a través de un prisma de cristal o una caída de lluvia vemos salpicaduras de rayos coloridos. Desde lejos, hay no forma específica pero sólo un movimiento surrealista de colores; llamarlo un río, un postre, un bosque o una ciudad ocupada, todos son vistos como salpicaduras cromáticas.
¿Por qué la Plaza formato? Plaza es masculina. ¿Por qué las pinturas ronda? Ronda es femenina. El equilibrio entre los dos expresa el equilibrio, la madurez y la sensibilidad. ¿Cuál es el contenido de cada formato, se refiere a profundo sentimiento un individuo. 'Splash' toma uno en las existencia propia, una introspección, una percepción sensorial de expresiones abstractas de nuestras emociones sin tiempo, espacio o lugar como es un; 'Splash'.
El Museo de Bellas Artes de Schacknow de Inc. Plantation Florida .
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Crisol gracias x este oasis visual. Excelente y hermoso. Siento pena de apenas descubrirlo. "Creo en el amor y en el arte como vías hacia el disfrute de la vida perdurable." ---Aquiles Nazoa---
Gracias a ti por tus hermosos comentarios. Acá te esperamos siempre. Nuestros artistas son gente muy hermosa con una gran sensibilidad que nos compensan el alma de tantas angustias, a través de su que hacer diario, nos llenan de esa magia que sólo ellos saben crear y nos dan, en cualquiera de sus obras, ese instante que necesitamos para seguir adelante y reponernos para la vida.
Quisiera dedicarle más tiempo a este vínculo con nuestro ser, que se hace totalmente ad-honore y bajo seudónimo, con la única recompensa de incrementar el amor al arte como medio de subsistencia, pero en oportunidades mis posibilidades son muy precarias; Sin embargo, acá estamos y estaremos siempre. A veces con muchas más intervenciones que otras, pero estaremos.
Gracias y bienvenida querida Latina.
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…El arte siempre es diverso. A pesar de su aparente uniformidad en términos de signo, siempre lo será cuando el creador es dominado por el auténtico impulso creador… D. Tomasini
La diversidad del discurso plástico, se convierte en el hilo conductor de Colectiva 8+4. En esta oportunidad, la pluralidad de lenguajes de la muestra, viene dada por la singularidad y la capacidad de interpelación que tiene cada una de las obras allí expuestas.
Así, la pureza geométrica en las telas de Jesús Matheus, la versatilidad y pulcritud en la papiroflexia de Yoshi, la rigurosidad de la línea a mano alzada en los trabajos de Ana María Olalde, y el razonamiento matemático en consonancia con la naturaleza, en las creaciones de Milton Becerra, adentran al espectador en la convivencia armónica de lo intuitivo y lo racional.
Esta heterogeneidad encuentra además puntos de convergencia en el elemento lúdico presente en los volúmenes de Isabel Cisneros, el universo microscópico de las piezas de Nela Ochoa, o las dualidades y los opuestos en los dibujos de Gisela Romero; las líneas cartográficas de glaciares venezolanos -casi en extinción-, en la obra de Carola Bravo, los personajes que se deslindan de la complacencia y del esteticismo en las sanguinas de José Vivenes, así como la riqueza expresiva en las piezas de Corina Briceño, María Eugenia Arria y Teresa Gabaldón.
Una puesta en escena dinámica, entusiasta y plural, fiel representación de buena parte del patrimonio de un país -sus artistas-, que no dejará indiferente al visitante.
Lieska Husband de Hernández
Galería Artepuy Calle California c/calle Jalisco, Las Mercedes Tel: (58)(212) 993.0974 Horario: Lunes a sábado 10:00 a.m. a 7:00 p.m. Domingos, 11:00 a.m. y 3:00 p.m.
Información complementaria de los Artistas Participantes
María Eugenia Arria
Milton Becerra
Carola Bravo
Corina Briceño
Isabel Cisneros
Teresa Gabaldón
Jesús Matheus
Nela Ochoa
Ana María Olalde
Gisela Romero
José Vivenes
Agradecemos a Corina Briceño por el envío de esta información
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Sin duda pasaré por aquí cada vez que pueda, gracias por tu bienvenida. El arte es imaginación y dejo lo que al respecto un científico escribió..."Imagination is more important than knowledge. I never came upon my discoveries through the process of rational thinking."----Albert Einstein----
----------------------------------------------El bosque II y lo que crece ------------------------JACOBO BORGES EXPONE EN BOGOTÁ
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El próximo 23 de febrero el Museo de Arte Moderno de Bogotá inauguran la exposición del pintor venezolano con la producción artística de esta última década.
Bogotá, febrero de 2010. A partir del 23 de febrero, el Museo de Arte de Bogotá, expondrá El bosque II y lo que crece, del pintor venezolano Jacobo Borges. La exhibición que se extenderá hasta el 14 de marzo, consta de cuarenta piezas originales a través de las cuales el artista redescubre el negro mezclando todos sus matices y materiales entre el petróleo, el esmalte, los acrílicos y los óleos hasta llegar a las venas de las hojas cerradas y plasmar así una visión más cercana de ese bosque cuya búsqueda se inició hace diez años, cuando expuso por primera vez El Bosque I en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas.
Nacido en Caracas, Venezuela hace setenta y nueve años, Jacobo Borges ha desarrollado su carrera como pintor, dibujante, cineasta y escenógrafo, basado en la premisa de que la imagen no es más que una ilusión, la cual intenta decodificar para crear una riqueza expresiva. “Entre el papel y el lápiz existe un espacio, siempre empezamos negando el lienzo para terminar aboliendo el pincel, y sólo al consagrarse ese proceso nace la pintura”.
Su obra, enmarcada dentro de las corrientes neofigurativas, denuncia con espíritu satírico las problemáticas y contradicciones de la sociedad contemporánea. En la actualidad, el artista vive entre su natal Caracas y la ciudad de Nueva York. Este nuevo proyecto expositivo del maestro Jacobo Borges se gestó en Caracas hace 8 meses con la visita de la Directora Gloria Zea a la Galería Freites, representante del artista.
Borges anota sobre su exposición: “Hace alrededor de diez años hice la primera exposición de El Bosque I en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. Esta fue como una despedida del bosque donde vivíamos. En aquel momento escribí recordando el origen del bosque. Y todo comenzó cuando yo me detuve en un pueblo en México hace treinta años… “Un día, tan lejos en el tiempo, yo, parado, de pie, vertical… hacía calor, venía de Oaxaca…” No pensaba que la impresión de ese momento me perseguiría tanto tiempo… Me detuve un momento en mi viaje hacia Mitla, miraba. Miraba ese ser que tenía 2000 años creciendo, su piel era como elefante, hecha por capas, una sobre otra, diferentes cada una pero unidas por el ser primero, INMENSO. Estaba solo allí, sin una pregunta, frente al ARBOL del TULE. Desde ese momento la monumentalidad se convirtió en una obsesión nunca resuelta… “Uno o dos años después, en Ciudad de México, empecé a pintar el árbol del Tule, lo más grande que se podía hacer, pero no era suficiente. Le agregaba otras telas, crecía, pero mi tiempo se había acabado. Dejé en un depósito todo ese ensamblaje, para regresar luego.
Así pase varios años llevando en mi memoria y en el equipaje un árbol que era imaginario. Eso se repitió “en Berlín, junto a ramas y hojas. Otra vez todo fue a un depósito, y así por varios años sembré secretamente mi Árbol del Tule en depósitos de distintas ciudades. Hasta que Diana y la vida me llevaron a hacer un bosque real” en una montaña de San Diego de los Altos, donde “sembré bambú, mi pasión, Jabillos, Ficus, Cedros, Bucares, mangos, Philodendros.
Cuando todavía no había aparecido el bosque imaginado, mirando el bosque real, mi amigo, el poeta Santos López, me dijo: ‘te hace falta un árbol sagrado: ¡una Ceiba!’ en verdad no estaba completo “ése será mi Árbol del Tule’. Pero una idea me inquietó: la Ceiba es un árbol que crece muy lento y vive mucho tiempo, lo veré…? Sin embargo lo sembré y soñé con esa acción lanzada al futuro, como mi vida y mi trabajo de idas y regresos, siempre inacabada, creciendo alrededor de un centro que sólo es una pregunta no hecha, donde los encuentros son la brújula y hay puertas por todos lados. Luego, como siempre, pensé en Catia de mi infancia, de agua, de lagunas pobladas por la lluvia y de bosques espinosos. También en esta Ceiba, que ya comienza a ser un árbol. Estoy seguro de que la veré tocando el cielo, como también veré ese imaginario Árbol del Tule.” En esa despedida del Bosque escribí “hoy les entrego a ustedes un instante, algo del Bosque, no el futuro.” Ese ‘hoy’ fue ayer, hace diez años empezábamos una nueva aventura con mi hija Ximena, que también crecía, que me llevaba por un camino no pensado pero tal vez escrito, y yo no pude escapar…
Después de la despedida tuve un encuentro con un pequeño Bosque dentro de la ciudad, así lo vi yo. Justo cuando regresaron las obras de El Bosque de una exposición en Alemania! Llegaron al garaje, ahí estuvieron encerradas, se repetía la historia, pero ahora no era el Árbol de Tule imaginario… era mi imaginación encerrada en ese depósito. Todo esto debía tener un sentido o más bien una relación. Venia de una experiencia “historias unidas por el color y su encuentro con la máquina de pensar, el bosque, las flores, las hojas, los frutos.
Cuando abrí la puerta del garaje saltó el Bosque imaginado y se encontró con el pequeño bosque y esta es la verdadera historia de cómo un observador de hojas y bulbos volvió al BOSQUE y encontró las relaciones y se sintió más libre puesto que el Bosque que tenía enfrente era pequeño, del tamaño de un jardín. Extrañamente, las obras que salieron de allí eran más monumentales que las que hice en el primer Bosque, cuando estaba sumergido en bosque real”.
Esta exposición se lleva a cabo gracias al Ministerio de Cultura de Colombia
Agradecemos a Marisela Montes por el envío de esta información.
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Crisol cariño, disculpa el abuso pero creo que esta noticia quedaría de perlas acá!
AMSTERDAM (AP) - Un cuatro recién autenticado de Vincent Van Gogh se exhibe 35 años después que un desacreditado coleccionista de arte lo compró en París convencido de que se trataba de una obra del afamado maestro holandés, pero que nunca pudo demostrar.
Louis van Tilborgh, curador de investigación del Museo de Van Gogh en Amsterdam, dijo que "Le Blute-Fin Mill" se pintó en 1886 y que sus grandes figuras humanas son inusuales para un paisaje de Van Gogh, aunque tenía sus típicos colores vivos.
La pintura fue adquirida en 1974 por Dirk Hannema, entonces conocido como un brillante curador de museos pero un tonto a la hora de comprar para su propia colección. Antes de morir en 1984 afirmó tener varios Vermeers, Van Goghs y unos pocos Rembrandts.
Sólo acertó con este cuadro, que entró el miércoles a la exhibición del Museo de Fundatie en la ciudad de Zwolle.
"Towards thee I roll, thou all-destroying but unconquering whale; to the last I grapple with thee; from hell's heart I stab at thee; for hate's sake I spit my last breath at thee." - Captain Ahab, Moby Dick by Herman Melville.
por crisol el Jue Dic 24, 2009 6:07 pm 
Siento pena de apenas descubrirlo. "Creo en el amor y en el arte como vías hacia el disfrute de la vida perdurable." ---Aquiles Nazoa---
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